¿SABIAS QUE…? “Con Faldas y a lo Loco” (Billy Wilder 1.959)

Some Like It Hot o,lo que es lo mismo: Con Faldas y a lo Loco, es una comedia dirigida por Billy Wilder, protagonizada por Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis en los principales papeles y con un presupuesto de 2´8 millones de dolares.
El guión de L. Diamond y del propio Wilder pone a los personajes en un montón de situaciones desternillantes, ofreciendo una agilidad narrativa inusual y mostrando el típico humor de final de los años 20 haciendo alusiones a referencias como La Ley Seca, los ídolos del cine de esos años Valentino y Ramón Novarro y el cantante Rudy Vallee.
Asimismo, se trata al hombre desde el punto de vista femenino y a ritmo de jazz. Las canciones del filme populares gracias a Monroe, son I wanna be loved by you y I´m through with love.
Como en cualquier obra que pasa a la historia, está plagada de curiosidades y citas célebres.
Aquí he seleccionado las más famosas espero q os guste…

El título original de la película, “Some like it hot” (A algunos les gusta caliente, en una traducción literal) hace referencia a la música que tocan en la banda femenina y no a ningún tipo de connotaciones sexuales. Lo curioso del tema es que en España no fue traducida por “Con faldas y a lo loco” por la cuestión sexual, sino simple y llanamente porque en ese momento estaba triunfando la canción titulada “A lo loco” (canción esta que fue recuperada para la película “El milagro de P Tinto”, interpretada en esta ocasión por Celia Cruz).

Marilyn Diva pero impuntual…
Marilyn Monroe llegaba todos los días al plató dos horas tarde. A veces, se encerraba en su camerino y se negaba a salir. Billy Wilder acabó tan harto de ella que se aseguró de que no la invitaran a la fiesta de fin de rodaje.
Billy Wilder estaba harto de dicha impuntualidad. En una ocasión comentó: “Antes quedabas con ella a las 9 y llegaba a las 11… ¡Ahora la llamas en Mayo y se presenta en Octubre! Una vez le recriminé su tardanza y se excusó diciendo que se había perdido de camino al estudio. ¡Siete años viniendo al estudio y se pierde por el camino!. Al principio estaba enfadado porque pensé que no me decía la verdad. Luego fue peor cuando supe que me estaba diciendo la verdad.”
Otra curiosidad de Marilyn, es que exigía que su profesora de interpretación, Paula Strassberg, estuviera presente durante el rodaje de sus escenas. Cada vez que terminaban una toma, Marilyn miraba a su profesora y le preguntaba cándidamente “¿Lo he hecho bien, Paula?”. Billy Wilder harto de aquella ridícula situación, decidió cortar por lo sano. Al finalizar la siguiente toma, Wilder se volvió hacia la Strassberg y le preguntó, con voz en falsete, “¿Lo ha hecho bien, Paula?”. Se montó tal follón que Paula Strassberg no volvió a aparecer por allí. El problema fue que a Marilyn le dio un ataque de nervios que a punto estuvo de mandar al garete todo el proyecto.
El diseñador de vestuario Orry Kelly se encargó de hacer los vestidos de Marilyn así como los de Tony Curtis y Jack Lemmon. Durante las pruebas de rodaje, entró al camerino de Marilyn para tomarle medidas y, mientras pasaba la cinta métrica alrededor de las caderas de la escultural actriz, le comentó bromeando: “Tony Curtis tiene un culo mejor que el suyo, Miss Monroe…” Entonces ella se desabrochó la blusa y le replicó, furiosa: “¡Pero seguro que no tiene unas tetas como éstas!”.
Marilyn, como la mayoría de los aficionados al cine saben, se equivocaba bastante. Tuvieron que hacer 47 tomas para que dijese correctamente su frase de “Soy yo, Sugar”, en una escena. 59 tomas para decir “¿Dónde está el bourbon?” Wilder harto le escribía sus frases en una pizarra. Si ves la escena final, donde Tony Curtis tiene que decir adiós a Marilyn por teléfono, es fácil ver los ojos de Marilyn que se mueven de un lado a otro. Esto se debe a que está leyendo su diálogo directamente en una pizarra.

Detrás de las “faldas”…todos “locos”
En un principio, la película iba a ser rodada en color. Así constaba en el contrato firmado por Marilyn. Pero al realizar las pruebas de maquillaje en los actores Tony Curtis y Jack Lemmon, observaron, que éste se volvía de un color verdoso, por la cantidad de maquillaje que tenían que poner en sus rostros para que parecieran cutis femeninos. Marilyn se enfadó muchísimo y quiso rescindir el contrato, pero Wilder, el director de la película, le prometió que iba a quedar maravillosamente perfecta en blanco y negro.
Tony Curtis fue muy crítico con Marilyn. Decía de ella que “era una mujer con el cuerpo de una diosa y el cerebro de un niño de cuatro años”. Al preguntársele qué se sentía al besar a Marilyn, respondió: “Fue como besar a Hitler”.
Fue necesario doblar la voz de Tony Curtis cuando imitaba a una mujer, ya que no se oía lo suficiente. El resultado que podemos escuchar en la versión original, es una mezcla de las dos voces.
Para poder probar que tal le caían los trajes femeninos, Curtis y Lemmon se pavoneaban por los estudios de la Goldwyn para ver si podían pasar por mujeres. Pero la prueba más dura fue cuando los dos entraron en el baño de mujeres y se maquillaron frente al espejo, imitando la forma típica de las mujeres. Cuando no se quejó ninguna mujer y ni siquiera parecieron darse cuenta de su presencia, ellos vieron que eran convincentes.
El papel de Jerry/Daphne le fue ofrecido primero a Jerry Lewis, el cual lo rechazó porque no quería que el público le tomara por una “drag-queen”. De modo que fue Jack Lemmon el que se hizo cargo del personaje que le convirtió en gran estrella y por el que ganaría su primera nominación al Oscar como mejor actor. Según Jerry Lewis, desde entonces Jack Lemmon le enviaba todos los años una caja de bombones concidiendo con el aniversario del estreno del film en Los Angeles.
Tras su estreno, fue prohibida en el estado de Kansas. El travestismo se consideró “demasiado perturbador para Kansas”.
George Raft, famoso por sus papeles de gángster en películas clásicas del cine negro de los años cuarenta, dedicaba su tiempo de descanso entre tomas a enseñar a Jack Lemmon y Joe E. Brown a bailar el tango.
La última frase de la película, el clásico “Bueno, nadie es perfecto”, dicho por Joe E.Brown después de que su “novia” Jack Lemmon le revela que él es realmente un hombre, era en realidad una frase de usar y tirar, que iba a ser cambiada más tarde, cuando encontraran una frase mejor. Curiosamente, nadie reclama el crédito por esta frase inmortal. Billy Wilder dijo que fue escrita por el co-guionista de la película I.A.L. Diamond , y Diamond afirma que fue escrita por Wilder.
Wilder contestó a la pregunta de si volvería a trabajar con Marilyn Monroe a los periodistas en la fiesta de final del rodaje con la siguiente frase: “Lo he discutido con mi médico y mi psiquiatra y me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico como para pasar por esto otra vez”.

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¿SABIAS QUE…? “El Padrino” (Francis Ford Coppola-1972)

EL REPARTO:
-Debido a que los productores no querían a Brando en la película, el director Coppola decidió hacer unas pruebas con varios actores, cual no fue su sorpresa cuando apareció Brando y dijo “quiero hacer esas pruebas para conseguir el papel”, “tendrás que esperar tu turno como todo el mundo contestó Coppola sorprendido”; “esperaré” dijo Brando, y así lo hizo.
-Los productores se negaron en redondo a que Marlon Brando interpretase al Padrino. Coppola incluso fue amenazado con ser despedido si seguía insistiendo con esa posibilidad. Al final se salió con la suya al hacer firmar a Brando una clausura en su contrato de que cumpliría todos los días de rodaje y no cometería sus típicas excentricidades.
-La productora no esperaba mucho de la capacidad de Coppola, por lo que cada día había un tipo supervisando sus actividades para que, si se le despedía en un momento dado, pudiese sustituirlo en la dirección de la película.
-Muy poca gente del equipo de rodaje de la película confiaba en Al Pacino. Lo criticaban por su estatura, su manera de hablar y actuar, y hasta se reían de él durante los primeros días de rodaje. Sin embargo, fue tras filmar la escena del asesinato del turco y el capitán de la policía, cuando se ganó el respeto de sus detractores. Parece ser que les impresionó su actuación.
-En unas imágenes del casting para la película se puede ver a Robert de Niro haciendo una prueba para el papel de Sonny Corleone. Sin embargo, acabó siendo para James Caan, que curiosamente conocía a Coppola ya que habían estudiado juntos.
-Warren Beatty, Jack Nicholson, y Dustin Hoffman fueron ofrecidos para interpretar el papel de Michael Corleone, pero todos rehusaron. También se consideró a Robert Redford y Ryan Oneal para el papel.
-Laurence Olivier fue propuesto para el papel de Vito Corleone.
-Se consideró a Frank Sinatra para el papel de Johnny, pero el papel fue para Al Martino cuando se empezaron a ver las muchas similitudes entre el papel de Johnny y el propio Sinatra.
-Sofia Coppola (hija del director) aparece como la sobrina de Michael Corleone en la escena del bautizo.
-Durante la escena en la cual Sonny (James Caan) golpea a Carlo (Gianni Russo), se puede ver entre la multitud que contempla la paliza a Frank Sivero, actor que interpreta a Genco Abbandando en la 2ª parte.

IMPROVISACIONES DE RODAJE:
-El palo que Sonny Corleone (James Caan) le lanza a Carlo (Gianni Russo)en la escena de la pelea entre ambos, es algo totalmente improvisado por James Caan, Gianni Russo no sabía que este le arrojaría ningún objeto porque no estaba en el guión, fué algo que improvisó James Caan para acentuar la actuación de perplejidad de Gianni Russo.
-Marlon Brando para ganarse la simpatía del niño con quien compartiría la escena, decidió jugar con él. Jugó a perseguirlo como si fuera un gorila. Este juego gustó tanto a Coppola que lo incluyó en la versión final de la película.
-La escena en la que Vito Corleone se burla de Johnny Fontane imitando sus sollozos no estaba prevista en el guión sino que fue improvisada por Marlon Brando. Ninguno de los actores que participaban en la escena esperaba semejante reacción, por lo que tanto la cara de sorpresa de Al Martino, como las sonrisas nerviosas de Robert Duvall y Richard Wright son espontáneas.
-Al principio de la primera parte aparece Vito Corleone en su despacho, sentado en su butaca acariciando un gato. Pues bien Brando se lo encontró antes de grabar la escena por los estudios. El gato no salía en el guión.
-La famosa escena inicial del funerario Bonasera pidiendo ayuda a Corleone no aparecía en el guión original de Coppola, sino que fue un amigo suyo el que se la sugirió.

CURIOSIDADES VARIAS:
-En la escena de la boda en que Johnny Fontaine está cantando, los planos cortos de la conversación entre Kay y Michael fueron rodados de noche ya que el tiempo se les echó encima, cosa que enfureció a Gordon Willis (director de fotografía).
-Cuando Michael va al hospital a ver a su padre, para dar una mayor intriga al lugar, Coppola con la ayuda de George Lucas, añadió imágenes de pasillos vacíos extraídas del metraje sobrante cuando el personaje abandonada el encuadre.
-Varios policías de Nueva York participaron en el rodaje de la película como extras.
-Marlon Brando asegura que se le ocurrió ponerse el algodón en la boca porque le daba pereza crear un personaje.
-Cuando Sonny le está pegando a Carlo, uno de los puñetazos le pasa por lo menos a diez centímetros de la cara, aunque el gesto de dolor de Carlo queda muy real.
-Durante los ensayos, una cabeza de caballo falsa fue utilizada para la escena del dormitorio. En la toma final, se utilizó una cabeza real.
-Brando, durante la prueba para la película, consiguió que la cara del Don Corleone “fuera como un bulldog”. Lo hizo metiendose bolas de algodón en los carrillos. Durante el rodaje, utilizó una protesis dental hecha por un dentista. Al Pacino tambien utilizó una protesis, para simular que tenía la mandibula rota, después de que el Capitan McCluskey (Sterling Hayden) le golpeara en la cara en una escena de la película. La pieza dental utilizada por Brando en el film se conserva en el Museo de Vestuario de los Estudios Universal.
-En una entrevista de TV, uno de los productores, declaró que muchos de los actores que completaban el reparto habían tenido relaciones con la Mafia, y que en algunos momentos del rodaje se produjeron situaciones bastante violentas.
-Mario Puzo (autor) y Francis Coppola (director) deliberadamente eliminaron del guión todas las referencias a la palabra “Mafia”.
-El nombre del sombrero tradicional siciliano (llevado, por ejemplo, por los guardaespaldas de Michel) es “Coppola”.
-Durante la escena en la cual Sonny (James Caan) golpea a Carlo (Gianni Russo), Caan rompió involuntariamente algunas costillas de Russo.
-El libro de “El Padrino” se mantuvo en los primeros lugares de la lista de best-sellers durante 67 semanas consecutivas; y se vendieron más de 21 millones de ejemplares.
Los derechos del libro de Mario Puzo, fueron comprados por cuatrocientos diez mil dólares.
-Vito Corleone recibe su apellido del pueblo en la provincia de Sicilia del cual proviene, pues bien, los abuelos de Al Pacino son nativos de ese mismo pueblo, Corleone, Sicilia.

RUMORES:
-Durante el rodaje de la película se rumorea que Sterlin Hayden llevaba en el bolsillo consigo siempre un ratón.
-Marlon Brando puso chuletas por todo el plató. Según él, incluso en las frentes de los actores cuando éstos estaban de espaldas a la cámara.
-En la novela de “El Padrino” el personaje de Johnny Fontane tiene mucha más relevancia que en la película. Parece ser que el mismo Frank Sinatra presionó para que se evitasen el mayor número de similitudes entre Fontane y él. De ahí la brevedad en la trama de este personaje.
-Existe un rumor de que Burt Reynolds fue originalmente incluido en el casting para el personaje de Michael Corleone, pero Marlon Brando no quiso trabajar por el al considerarlo más una estrella de televisión.

COPPOLA Y LAS NARANJAS:
Quería compartir la curiosidad acerca de la película El Padrino de Coppola y las naranjas que me he encontrado leyendo un artículo en la Wikipedia.
Al parecer existe un significado simbólico de las naranjas, a lo largo de las tres películas, cada vez que aparece una naranja en alguna de las tres películas, es seguida de una escena de muerte importante.
Y efectivamente, repasando la trilogía encontramos:
En el primer film:
-Tom Hagen y Woltz negocian la carrera cinematográfica de Johny en una mesa con un plato de naranjas en su interior, y Woltz pronto descubre la cabeza de un caballo muerto en su cama.
-Don Vito sale de su oficina con su hijo Fredo y se dispone a comprar fruta, concretamente naranjas, cuando dos sicarios de la familia Tattaglia disparan a Don Vito en las propias narices de Fredo, quien, nervioso, no puede hacer nada salvo llevarlo al hospital herido de muerte.
-Sonny pasa con el coche por delante de un cartel que vende Naranjas de Florida cuando es atacado.
-También son naranjas las que llenan la mesa donde se celebra la reunión de los capos de la Mafia (y especialmente en frente de los que son asesinados en el clímax de la película).
-Don Vito Corleone muere mientras está comiendo una naranja y juega con su joven nieto…
-La única que se salva de esta macabra relación es la escena de la muerte de Apollonia en la explosión del coche, en la primera parte, cuya muerte no viene precedida por naranjas.
En la segunda parte:
-Fanucci toma una naranja justo antes de ser asesinado por Vito en su apartamento
-Johny Ola le ofrece a Michael una naranja de Miami y más tarde es asesinado.
-Michael está comiendo una naranja en su encuentro con Tom Hagen y Rocco Lampone, mientras planean el asesinato de Hyman Roth, quien es asesinado en la escena final.
Y en la tercera parte:
-Mientras Michael Corleone muere, al final de la tercera parte, golpea una naranja que sale rodando…

El propio director ha negado este hecho y Dean Tavoularis productor de diseño, aseguró en una entrevista que las naranjas simplemente las usaron para agregar algo de color al film. Y es que efectivamente el color naranja añade una nota de color en las escenas oscuras.
Intención o casualidad, la verdad es que en la red y entre los fans no faltan adeptos que se empeñan en extraer esta simbología apuntando una buena relación de muertes y naranja.
Algunas más…
-En la escena en que muere Don Vito Corleone mientras juega con su nieto, Marlon Brando llevaba puestos unos dientes improvisados con recortes de cáscaras de naranjas (otra vez las naranjas antes de una muerte).
-Los creadores de la serie “Los Soprano”, también realizaron un guiño a una de sus obras preferidas: En la primera temporada, Tony está comprando zumo de naranja cuando sorpresivamente es baleado.
-Darren Aronofsky realiza un homenaje a Coppola introduciendo un guiño a la trilogía de “El Padrino” en su película “Requiem por un sueño” : En una escena en que los personajes se encuentran en medio de una multitudinaria compra de drogas, hay una toma donde un tipo aparece pelando una naranja; justo después la policía irrumpe en el lugar.
-La presencia de naranjas en las tres películas de “El Padrino” indica que una muerte ocurrirá pronto. Vito Corleone es disparado después de comprar naranjas, y muere con una naranja en su boca.

¿SABIAS QUE…? “Los 10 Mandamientos” (Cecil B. DeMille 1956)

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Aquí podemos conocer un film adorado por muchos, creyentes y no creyentes. Donde se describe a un Moisés “Hollywoodense” lejos del profeta que se describe en la Biblia, que como curiosidad os diré que era tartamudo y se ayudaba de Aaron para hablar con el pueblo de Israel. Pero las curiosidades religiosas la dejaremos para otro momento, ahora conozcamos la película…
-Hasta 1978 no se descubrió el misterio de quien puso la voz a Dios. Fue el propio Charlton Heston en una grabación ralentizada.
-En plena producción de la película Cecil B. Demille sufrió un infarto, tres días más tarde volvía al trabajo.
-En la escena del éxodo del pueblo de Israel cuando Ramsés les concede la libertad se reunieron 20.000 extras.
-El bebé que hace de Moisés salvado de las aguas no es otro que el propio hijo de Charlton Heston, que acababa de nacer.
-Cecil B. Demille se quedó impresionado con el papel que hacía Yul Brynner en la obra teatral de Ana y el Rey de Siam, lo que fue decisorio a la hora de ofrecerle el papel de Ramsés.
-Demille contrató a Charlton Heston entre otras razones por su parecido con la estatua del Moisés de Miguel Ángel de la iglesia de San Pedro in Vincoli, Roma.
-Las tablas con los mandamientos fueron construidas con auténtica piedra del Sinaí, con las medidas indicadas en el Middras Rabbah y con los caracteres de las letras en cananeo arcaico.
-La película es un remake de la versión de cine mudo homónima rodada en 1923 por el propio Cecil B. DeMille.

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-Es una de las películas más exitosas financieramente, recaudando más de 65 millones dólares en la taquilla de América del Norte.
-La película ganó el Oscar a los mejor efectos visuales. DeMille se mostró renuente a discutir los detalles técnicos de cómo se hizo la película, sobre todo los trucos ópticos utilizados en la separación del Mar Rojo.
-El decorado de la ciudad del faraón fue el mismo que se utilizó en la versión de 1.923. El gigantesco decorado fue enterrado en ese año en la arena del desierto de California y descubierto para el rodaje de esta película!!
-La película contó con un presupuesto de 13 millones de dólares, que significó la mayor apuesta económica de la Paramount en aquella década, recompensada con un impresionante éxito de taquilla.
-Y si el presupuesto no se disparó aún más fue porque se aprovecharon algunos decorados y numerosos elementos de vestuario y atrezzo que ya habían sido utilizados poco antes por Michael Curtiz para el rodaje de Sinuhé el egipcio (The Egyptian, 1954)!
-La película fue filmada en Egipto y en diversos enclaves de California!!
-La producción empleo a 20.000 extras y puso al alcance de director los últimos avances en efectos especiales. Hoy, en plena explosión digital, dichos efectos se revelan artesanales y pueden parecer hasta precarios, pero en su momento causaron furor.
-Los diez mandamientos está basada según textos bíblicos y las novelas de Dorothy Clarke Wilson, J.H Ingraham y G.E. Southon!!
-Dos de los autores de las novelas en las que inspira el guión de la película, J.H. Ingraham y G.E. Southon fueron acreditados como reverendos, cuando en realidad no lo eran y todo obedecía a una estrategia de la Paramount para ganar credibilidad y legitimación religiosa!!
-La Paramount le sugerió a Cebil B. De Mille el nombre de Audrey Hepburn para encarnar el personaje de Nefertiri, pero el cineasta rechazó tal opción al considerar que la actriz era demasiado enclenque. El papel recaería así en la más carnal Anne Baxter, prevista en principio para dar vida al personaje de Sephora, personaje que a su vez heredaría Yvonne De Carlo!!
-La película fue nomindada a 6 premios Oscar de la Academia, entre ellos: 1) la mejor película; 2) a la mejor dirección artística, 3) a la mejor fotografía; 4) al mejor montaje; 5) al mejor sonido, y 6) al mejor vestuario!!
-Fue el último filme dirigido por el director Cecil B.DeMille!!

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¿SABIAS QUE…? “Sonrisas y Lágrimas” (1965 Robert Wise)

La historia de la familia Trapp, fue el detonante de “Sonrisas y Lágrimas” que se baso en las peripecias de esta musical familia, que existió realmente, para crear un éxito. Tras 52 años de representaciones, “Sonrisas y Lágrimas” ha cosechado 6 premios Tonys, 5 Oscars y 2 Globos de Oro. Hasta la fecha, ya son 45 millones de espectadores en 24 países los que han podido disfrutar de este clásico.
Conozcamos las curiosidades de este film…
-Tuvo un presupuesto de poco más de 8 millónes de dólares, cifra bastante económica si se considera que para el año 1969 la película ya había recaudadado 115 millones de dólares.
-A pesar de que el actor principal Plummer, se refirió al filme durante mucho tiempo como “The Sound of the Mocus” (literalmente, el sonido de los mocos), en lugar de “The Sound of Music”, finalmente volvería a formar pareja con Julie Andrews en el telefilme “En el estanque dorado”.
-A Plummer le sacaba de quicio Andrews, tanto que definió el rodaje con ella como “ser golpeado en la cabeza con una tarjeta de San Valentín gigante día tras día” ¿No es genial? Eso lo dijo entonces, y no se sabe si en serio o en broma, porque el caso es que se han mantenido como amigos hasta hoy.
-La verdadera María aparece en la película. Fue a visitar el rodaje en 1964 para conocer a los actores y le dieron un pequeño papel. Aparece debajo de un arco de Salzburgo, entre sombras, en la escena en la que María (Julie Andrews) viaja por primera vez desde la Abadia a la casa de los Von Trapp.
-Debbie Turner, la niña que interpretaba a Marta von Trapp de 7 años, perdió todos sus dientes en plena filmación; un dentista tuvo que implantarle una dentadura postiza en una sola noche.
-Las lluvias retrasararon un poco el rodaje y, por si fuera poco, sus efectos sobre el suelo dificultaron la labor de la actriz principal en la escena de apertura de la película.
-Plummer cantó, pero no debió hacerlo muy bien, porque decidieron doblarle.
-Rodgers decidió eliminar tres canciones del libreto original, aunque incluyó dos nuevas: “I Have Confidence”” y “Something Good”.
-Se llegó a contratar a Julie Andrews, porque en esos momentos el público empezaba a acudir a los primeros pases de Mary Poppins y el nombre de la actriz empezaba a sonar entre la profesión; aunque su escasa fama, sumada al hecho de que en 1962 satirizó la historia de los Trapp en televisión junto a Carol Burnett, hacían que tuviera difícil conseguir el papel. Finalmente y pese a la oposición de la Baronesa y de Rodgers, Julie Andrews fue María Trapp gracias a la insistencia de Wise, y todo ello por la suma de 225.000 dólares.
-Para el papel de Maria, se pensó en Mary Martin, pero ésta no podía encarnar a la protagonista ya que para entonces contaba con cincuenta y cinco años imposibles de disimular en una pantalla de cine.
-Audrey Hepburn rechazó el papel de María.
-Para la elección de director, entre los directores contratados por el estudio figuraba Robert Wise, quien ya había logrado un gran éxito comercial y crítico con la adaptación de “West Side Story”. Sin embargo Wise alegó que no le interesaba el proyecto. El responsable de la compañía Darryl Zanuck tanteó entonces a William Wyler y a Billy Wilder, aunque sin convencerlos. Zanuck volvió entonces a presionar a Wise, cuyo anterior proyecto tuvo que posponerse porque su protagonista (Steve McQueen) había enfermado. A pesar de ello el director renegó de “la sacarina de la obra, la cual era imposible de eliminar al completo”. No obstante, al poder trabajar con sus colaboradores de “West Side Story” -Saul Chaplin, Ernest Lehman y Boris Leven- terminó aceptando.
-Tras rechazar la oferta de la Universal, Richard Rodgers apostó por confiar el proyecto a la 20th Century Fox, compañía que estaba prácticamente arruinada después del rodaje de Cleopatra.
-Se encuentra en tercer lugar en las listas de mayor número de entradas vendidas (142.415.400) y en recaudación acumulada con la inflación actualizada en los Estados Unidos (911.458.400$), sólo por detrás de Lo que el viento se llevó y La guerra de las galaxias.
-También ocupa el segundo lugar como la película más católica después de “La Pasión de Cristo” de Mel Gibson, elegida por los lectores del diario National Catholic Register.